월간사진

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미니 갤러리

장르에 상관없이 전업, 겸업 사진가들이 자신의 작품을 소개할 수 있는 온라인 갤러리입니다. 특히 블로그나 홈페이지가 없는 작가, 자신의 작품을 더 많은 분들과 공유하길 원하는 작가들의 참여를 기다립니다. (문의 031-870-1081, hisophy@naver.com)

김성준

사진가 김성훈은 사실 정치에 큰 관심이 없었다. 그는 대통령이 탄핵되었을 때도 무능한 사람이 짤렸겠거니 생각했고, 새 대통령이 당선되었을 때도 의무감에 투표를 하러 갔을 뿐 뚜렷한 생각은 없었다. 하지만 지방에 살던 그가 서울을 방문할 일이 있어 들린 서울역에 도착했을 때 놀라고 말았다. 서울역에 모인 그들은 우상을 숭배하듯 박정희를 찬양했고, 태극기보다 더 큰 성조기를 흔들고 있었다. 군가와 새마을노래 등 독재정권 시절 숱하게 불렀을 법한 노래를 크게 따라 부르며 소리지르는 그들의 모습은 정치적 방향이라기 보다는 종교에 가까워 보였다. 그는 이러한 장면을 서울역, 광화문 등 여러 지역을 방문해 카메라에 담았다.
이상호

색(色), 그리고 마음으로 읽는 색(索) 이상호 글 ㅣ 조아(JOA) 문래동은 오랜 세월의 흔적들을 담을 수 있어 대학생들이나 아마추어 사진가들이 즐겨 찾는 출사지로 최근 각광받고 있다. 그러나 이상호가 문래동을 담는 이유는 따로 있다. 그에게 문래동은 26년 동안 살아온 삶의 터전이다. 긴 세월 동고동락했던 문래동 사람들의 이야기를 2015년부터 지금까지 '색'으로 표현해 담고 있다. 그때마다 라이카 M9-P 카메라와 50mm렌즈가 파트너가 돼 주었다. 문래동은 불과 몇 년 전 까지만 해도 여름 장마철이면 곳곳이 침수되곤 했다. 철강업체들이 이곳에 자리 잡기 시작한 것은 1960년대로, 소규모 철강공장들과 함께 도로변에는 철강판매점들이 들어섰다. 당시에는 고물상에서 철판이나 파이프 같은 것들을 수거해 재생한 다음 판매할 정도로 열악한 환경이었지만, 1970년대 이후 최대 호황을 누리기도 했다. 그러나 안타깝게도 IMF 이후 지금까지 침체기를 벗어나지 못하고 있는 실정이다. 이상호 자신도 그렇지만 이곳 사람들은 60년대 작은 철강공장을 운영하고 철 판매 일을 하면서 가족들의 생계를 위해 밤낮으로 일해야만 했다. 그 암담했던 시간들을 인내와 끈기로 이겨낸 끝에 성공한 사람도 있지만 거듭된 실패로 인해 결국 이곳을 떠나야 했던, 그야말로 다양한 사연이 깃든 곳이 문래동이다. 이상호의 <문래동 블루스>에서 색으로 표현된 사물들은 현재와 과거의 시간들을 보여준다. 색채(Color)란 빛의 파장에 따른 시각적 반응으로, 모든 사물은 빛에 의해 그 외형이 색으로 드러난다. 실제로 색은 눈에 의한 시각 작용에 의해서 인식된다. 하지만 곰브리치(E.H.Gombrich)는 “색의 경험은 마음의 심층까지 자극한다.”라고 했다. 이는 단순히 눈으로만 보는 것이 아니라 마음을 통해 본다는 것을 의미한다. 이상호 작가 역시 눈이 아닌, 마음의 눈으로 본 문래동의 다양한 색을 통해 그곳 사람들을 이야기 하려는 것이다. 인간의 눈이 식별할 수 있는 색이 약 800만 개라고 볼 때, 이상호는 매우 자극적이고 감각적이며 직접적인 색채만을 볼 수 있도록 밀도감 짙은 색에 주목한다. 무덤덤하거나 차가운 무채색 계열이나 내추럴(Natural)한 색감이 아닌, 높은 명도와 채도로 분명하고 강렬한 인상을 자아내는 컬러를 보여준다. 색채는 주관적인 시각 세계이기 때문에 사람마다 다르게 느낄 수 있다. 그는 색의 은유와 상징을 통해 문래동 사람들의 밝고 강한 정신성을 드러내기 위해 조형언어로써의 '색' 표현에 중점을 두고 있다. 다시 말해, 강렬한 색채는 단순히 외형의 재현을 넘어 작가가 주지시키려는 의미전달 매개체로 활용되고 있는 것이다. 문래동에서 느꼈던 삶에 대한 좌절과 절망보다는 도전과 희망의 색들로 선명하게 드러내려고 한 것이다. 이는 어떤 상황에서도 포기할 줄 모르는 문래동 사람들의 삶과 퍽 닮아 있다. 문래동 곳곳의 사물에는 좌절의 색 위에 도전의 색이, 그리고 절망의 색 위에 희망의 색들이 겹겹이 덧씌워져 있기에 이를 나누고자 한 것이다. 이상호 오랜 시간 함께 했던 문래동의 사물이나 흔적들을 사진의 색을 통해 이야기 하는 작업을 하고 있다. 2017년 개인전 <로르샤흐의 심리테스트>(포토그래퍼스 갤러리코리아)을 비롯해, 2016년 라이카클럽 초대 5인전, 반도갤러리, 2018년 제5회 대한민국국제포토페스티벌(예술의 전당 한가람디자인미술관) 등에 참여한 바 있다.
류문수

사진가의 영혼을 훔친 물. 빛. 색 류문수 글 ㅣ 조아(JOA) 생명의 근원인 '물'은 동서양을 막론하고 철학적인 사유가 가능해서 수많은 예술가들에게 표현의 대상이 되어 왔다. 높은 곳에서 낮은 곳으로 흐르며, 유(柔)하면서도 강(强)한 물리적 속성을 지니고 있기에 인간의 내면과 결부되며 무한 상상력을 제공해왔다. 류문수는 오후 4시에서 6시 사이 석양빛이 좋을 때 장화를 싣고 물속으로 들어가 물의 겉 표면 뿐 아니라 물속의 다양한 이미지를 포착했다. 캐논 7D 카메라와 주로 100mm 마이크로 렌즈를 사용했다. 접사기법을 통해 특정 부분을 확대해 단순화시킴으로써 물빛, 물결, 물색 그 너머에 내재된 물의 본질을 담고자 했다. 집 근처에 있는 홍천강에서 모티브를 얻어 작가 나름의 의미를 찾아 그만의 자유로운 상상력을 발휘한 것이다. 이는 작가 자신의 가장 깊은 내면세계를 지배하고 있는 '원형'(archetype)에 관한 이야기이자 프랑스 철학자 겸 과학자인 가스통 바슐라르(Gaston Bachelard:1884-1962)가 말한 '물질적 상상력'에 관한 소통이라고 할 수 있다. 바슐라르에 의하면, 세계를 구성하는 근원인 물, 불, 흙, 공기라는 4원소 중에서 운동성이 유독 강한 물은 그 특유의 성질 때문에 무한한 상상력을 불러일으킨다고 했다. 이런 이유에서인지 류문수 역시 수 년 동안 강물을 바라보며 상상의 나래를 펼 수 있었다. 촬영 과정을 통해서 머무른 듯 흐르는 강물처럼 우리의 삶도 흘러가는 과정 속에 놓여 있음을 깨달았다고 한다. 또한 흘러가는 물의 연속성을 통해 현재 작가 자신이 보고 있는 강물이 과거에 의해 생성된 현재이며, 잠시 머무르는 듯 보일 뿐 곧 미래로 떠나가는 것임을 직시하게 되었다. 다시 말해 과거를 통해 현재에 머물며, 시간과 시간 사이 다름을 담아 유유히 흐르는 것이 강물이자 곧 인간의 삶이었음을 깨닫게 된 것이다. 현재라는 시간성에 의해 잠시 보게 되는 아주 짧은 찰나를 담은 사진이 바로 류문수의 <물. 빛. 색>이다. 흐름은 곧 살아 있음을 증명하기에 그의 사진은 기운생동하다. 또한 극명한 묘사력을 바탕으로 물 표면의 외형을 자기 표현방식에 의해 재구성했고, 그런 점에서 주관성 강한 내면적 표상이라고 할 수 있다. 수십, 수백 컷을 찍었음에도 어느 것 하나 독자성을 지니고 있지 않는 것이 없을 정도로 저마다 다른 모습을 띤다. 어느 일부분만을 프레임에 담았음에도 불구하고 대자연을 실감하게 하는 것이 <물.빛.색> 사진의 힘이며, 추상적인 물의 형상은 우리로 하여금 끝없는 상상의 세계로 향하도록 한다. 이는 그의 집념어린 시선에 기인한 결과다. 육안으로는 미처 볼 수 없는 이 영롱한 물, 빛, 색은 카메라 렌즈를 통해 구현되는 빛의 향연이다. 빛에 따라 매번 다르게 표현되는 물, 빛의 세계는 마치 누군가의 꿈을 형상으로 보여 주는 듯 작가에게 붙잡고 싶은 '희망의 메신저'로 다가왔다. 수년 동안 몰입해 작업하게 된 것도 그런 이유에서다. 투영과 반영에 의해 시시각각 변하는 물과 빛 그리고 색채의 향연은 생동감으로 충만하다. 물은 색채가 없으며 투명하다. 그런데 왜 찬란한 색채인가. 물은 빛을 투과시키는 동시에 빛의 굴절과 반사에 의해서 주변 환경 그대로를 반영하기도 하고 또한 조화로운 색채를 드러내며 상징의 세계마저 포획한다. 칼 구스타프 융(Carl Gustav Jung)에 따르면 예술은 곧, 상징이라고 했다. 류문수는 물을 통해 자신이 경험한 것 그리고 생각한 것들을 물의 상징을 통해서 집단적 무의식에 의한 '원형'을 가시화 하고 있는 것이리라. 류문수 촬영을 하다 보면 사사로운 감정 찌꺼기들을 모두 잊고 오로지 사진을 잘 찍기 위해 몰입할 수 있기 때문에 사진작업을 즐긴다. 2018년 개인전 <일흔 번째 봄.여름.가을.겨울>(홍천미술관)을 비롯해 2011년부터 2019년까지 뷰파인더 동우회 사진전 등을 가진 바 있다.
이현찬

도시 그리고 지금, 여기 글 ㅣ 조아(JOA) 이현찬의 사진 <도시>는 익숙하면서도 어딘가 기묘하고 낯설다. 낯과 밤, 그 어느 중간계에 머문 듯 시간성과 빛, 그림자와 색이 혼재되어 있기 때문이다. 모호한 시간성은 실제적 대상마저 가상의 세계인양 착각을 일으키게 만든다. 그가 말하고자 하는 '도시의 이중성'을 드러내기 위한 어법적 요소들 때문이다. 현대도시는 우리에게 편리함과 풍요를 가져다주었지만, 반대로 소비와 권력으로 인한 소외와 단절을 초래했다. 특히 도시의 발전 이면에는, 라캉이 말한 바 있는 절대적으로 충족될 수 없는 '타자의 욕망론'에 따른 다양한 도시문제들이 끊임없이 생성되고 있다. 이현찬은, 보들레르(Charles Baudelaire)가 말한 도시의 산책자(Flâneur)가 되어 '지금, 여기'의 시점을 통해서 욕망의 환영이 층층이 쌓인 '환영의 도시'를 오랫동안 담았다. 사진에 등장하는 도시풍경은 신사동과 압구정 로데오, 가로수길, 그리고 홍대입구 등 많은 사람들이 즐겨 찾는 곳이다. 이현찬은 그곳에서 소니 A7M3와 A7R3 카메라를 사용해 감도 400으로 촬영했다. 사진에는 후미진 주차장, 건물 사이를 파고든 빛과 자동차, 쇼윈도의 속옷 입은 소녀와 화려한 홀로그램 등 행인의 시선을 빼앗는 도시의 구조물과 광고가 등장한다. 거대도시가 잉태해 놓은 환영적 요소들의 채집은 지각체험의 가시화에서 비롯되었다. 그럼에도 불구하고 그가 이야기 하려는 것은 도시를 부유하는 욕망의 환영만은 아니다. 그렇다고 차갑고 비정한 '사회현상'의 담론으로 도시를 묘사하거나, 현대도시에서 나타나는 대량소비 같은 문제의식만을 담으려는 것도 아니다. 그저 작가 자신에게 너무나 익숙한 다채로운 도시의 풍경을 채집한 것으로 도시와 관계 맺는 요소들을 그만의 방식으로 나열하려는 것이다. 지난 5년간 사우디에 거주하면서 매일 고향의 대도시 풍경을 회상하며 그리웠는데, 그것이 지금의 작업에 영향을 미쳤기 때문이다. 누군가에겐 도시가 냉혹한 현실일 수도 있지만, 그에겐 더 없이 친숙한 공간이자 때로는 위안마저 얻는 그런 곳이다. 그가 도시 공간의 주체자로 순기능의 가능성을 살피는 유랑자를 자처하는 이유이기도 하다. 수많은 사람들이 열심히 만들어가는 세상이 바로 도시다. 그렇기에 모든 사람들이 저마다의 다양성을 인정해야 한다. 하지만 이런 긍정적 시선에도 불구하고 환영의 접촉지대는 어쩔 수 없는 모순과 이중성을 드러내고야 만다. 그것이 지금, 여기의 실체가 아니겠는가. 그의 사진은 리얼리티가 살아있는 지금의 '도시인상'이자, 한편 도시의 환영에 대한 풍자라고도 할 수 있겠다. 이현찬의 <도시>는 자신의 대도시 경험으로 표상된 상징들을 토대로 그에 따른 문제점에 대해 조심스레 질문을 던지는 작업이다. 도시, 그리고 지금 여기, 그 모든 것이 이대로 충분히 괜찮은지 말이다. 물론 도시를 향한 벤야민의 예리한 통찰력이나 보들레르의 시적 감수성이 묻어나는 것은 아니지만 자신이 속한 현대도시를 안타까움과 긍정적 시선으로 진지하게 이끌어내려는 굳은 의지가 엿보인다. 이현찬 평소 누군가는 도시에서 빛을 보고 또 다른 누군가는 도시에서 그림자를 볼 수 있다고 생각하기에 앞으로도 꾸준히 자신만의 언어로 도시풍경을 담을 생각이다. 연세대학교 정치외교학과를 졸업한 뒤 사진에 점차 관심을 갖게 되었고, 퇴직 후 본격적으로 사진가의 길을 걷고 있다. 2018년 국립외교원 갤러리에서 단체전을 가진바 있다.
지용철

나를 치유하는 나무 글 ㅣ 조아(JOA) 지용철의 <나무> 연작을 보면, 1964년 출판되었지만 지금까지도 사랑을 받는 쉘 실버스타인(Shel Silverstein)의 대표작 <아낌없이 주는 나무>가 떠오른다. 이 책은, 한그루의 사과나무가 자신을 좋아해준 소년이 청년이 되고 노인이 될 때까지 아무런 대가를 바라지 않고 자신의 모든 것을 아낌없이 내준다는 이야기를 담고 있다. 지용철이 사진을 통해 하려는 이야기 역시 '아낌없이 주는 나무'에 관한 것이다. 그는 심신이 피곤할 때마다 숲을 찾았다. 숲속을 한참 걷다보면 어느새 마음의 평화가 찾아오곤 했다. 또한 오랜 기간 '나무'를 촬영하면서 삶의 중요한 가치 역시 깨닫게 되었다. 자가 치유와 정신적 자유를 향한 내적 욕구가 투사된 나무 사진에는 자연의 신비와 아름다움을 관조하는 시선이 담겨있다. 단순히 나무를 재현하는 것에 그치지 않고 자연과 합일을 이루려는 작가 자신의 의지도 엿볼 수 있다. 생각해보면, 인간에게 나무처럼 아낌없이 주는 존재가 또 있을까. 인간은 누구나 자연 안에서 정신적 자유와 사색의 순간을 경험한다. 지용철에게도 자연을 가시화 할 수 있는 하나의 상징적 대상이 '나무'였던 셈이다. 지용철의 나무 사진에 우리가 깊이 침잠하게 되는 데는 다 그럴만한 이유가 있다. 그의 <나무> 연작은 단시간에 이루어진 것이 아니다. 한 그루의 나무를 대개 1,2년이 아닌, 최하 5년 또는 10년의 시간 동안 가까이서 바라보다가 셔터를 눌렀다. 캐논 5D Mark4 카메라를 사용했는데 주로 청주와 김제, 그리고 세종시에서 촬영했다. 물론 장소가 특별한 의미를 갖고 있진 않다. 가까운 집 주변과 자주 가서 바라볼 수 있었던 곳의 나무들이다. 사진에 등장하는 나무는 그 종류가 각기 다르고 표현 방법도 각양각색이다. 어느 것은 화려한 컬러로 봄 꽃나무를 재현하고, 또 다른 나무는 흑과 백으로 담백하게 표현했다. 그리고 일반적으로 잘 사용하지 않는 적외선 필터를 사용해 환희의 감흥을 연출하기도 했다. 나무마다 갖는 고유한 빛깔이나 성격을 그대로 살리기 위해서 취한 방식이다. 검은 배경이라 흰 나뭇가지가 유난히 빛나 보이는 사진은 그가 산에 올랐을 때 주변이 모두 어둠에 둘러싸여있을 때 촬영한 것이다. 그런데 마치 자신을 봐 달라는 듯 유독 한 그루의 나무만이 찬란히 빛나고 있었다. F2.8로 조리개를 열고 망원줌렌즈로 당겨 주변부를 좀 더 어둡게 처리한 다음, 그 나무만을 더욱 밝고 강렬하게 끌어들였다. 그 외에도 벤로사의 적외선 필터를 사용해 장노출로 표현한 하얀 나무, 역광을 이용해서 나무는 검게 표현하고 꽃은 더 밝고 하얗게 강조한 목련 나무 등 자연에 대한 순수한 통찰력과 작가 특유의 서정성으로 심연(深淵)의 세계를 화면 안에 가득 채우고 있다. 자신이 경험하고 지각한 감정을 나무에 투사한 것이다. 그러니 가장 아름다운 찰나의 나무들이 고스란히 담길 수밖에. 그는 숲에 들어가 나무와 마주하는 시간이 길어지면서 점차 숲에서 자연의 소리가 들리기 시작했다고 말한다. 나무(자연)는 그 자체로 생성과 소멸의 과정을 통해 인간에게 무한한 사유의 문을 열어주기에 작가는 나무의 순환 속에서 인간의 삶을 목도한 것이리라. 그럼에도 불구하고 사진을 찍는 것이 주가 아니라, 그 피사체와 교감하는 시간이 보다 중요하다고 한다. 중학교 때 흑백필름으로 나무 사진을 처음 찍기 시작한 이후 지금까지도 자연을 대상으로 하는 작업을 꾸준히 하고 있다. 평생 나무만을 고집스럽게 담아서일까. 그의 나무 사진은 현대인들의 지친 마음에 작은 위안을 가져다주기에 충분해 보인다. 지용철 중학교 시절부터 취미로 흑백사진을 찍기 시작했다. 대학교에 들어가 사진 동아리 활동을 하면서 흑백과 컬러 현상작업을 직접 했을 만큼 사진에 대한 열정이 남달랐다. 2016년 첫 개인전 <목련>(청주 숲속갤러리)를 시작으로 해서 2017년 <목요일>(청주숲속갤러리), 2019년 <나무>(마루갤러리), 2019년 <목련>(나우갤러리)에서 총 4회 개인전과 함께 다수의 단체전을 가진 바 있다. 충북대학교 물리학과를 졸업하고 현재 전기 안전 관리업에 종사하고 있다.
김정현

또한 바람과도 같다 글 ㅣ 조아(JOA) 바다와 숲과 들에서 김정현은 옷을 벗는다. 그런데 드러나는 알몸에서는 그 어떤 관능미도 찾아볼 수 없다. 시각적 충격을 가져오는 선정적인 알몸이라기보다는 긴장감 없는 편안한 '알몸'이라는 점이 인상적이다. 그는 심리상담 공부를 하면서 그 자신 안에 있는 불편한 감정들로부터 어떻게 하면 자유로워질수 있을지 고민하게 되었다. 그 답은 초원의 숲속을 거닐 때였다. 이후 틈만 나면 그는 자연으로 들어갔다. 걸치고 있던 것들을 벗어던지고 끝없이 펼쳐지는 초원을 걷거나 달리고, 때론 우두커니 앉아 햇살과 바람을 만끽했다. 그러한 자신의 경험을 사진에 담은 작품이 <또한 바람과도 같다>이다. 그런데 왜 굳이 옷을 벗어야만 했을까. '옷'이란 것도 결국 사회관습에서 더해진 욕망의 상징물이기 때문이다. 따라서 옷을 벗고 알몸이 된다는 것은 모든 욕망을 내려놓는 일이며 그 자신의 내면으로 깊게 침투하겠다는 의지의 발현이다. 온전히 자유로운 상태로 가기 위한 첫 번째 의식인 셈이다. 결국 이 작업은 자유에 대한 갈증에서 비롯된 것이며, 벗은 알몸은 '자유'를 향한 의지의 표명인 것이다. 엄밀하게 말하면 사회적 모순이나 현상에 대한 작가 나름의 투쟁일 수도 있고, 인간의 실존에 대한 진지한 물음일 수도 있다. 모노톤의 시아노타입(cyanotype ; blue print)으로 덧입혀진 블루 톤은 알몸의 육체와 광활한 대자연을 하나로 결합하며 초연하게 펼쳐 보인다. 비은염(Non-Silver) 방식인 시아노는 1842년 존 프레드릭 윌리엄 허셀(John Frederick William Herschel, 1792-1871)에 의해 고안된 아날로그 프린트 방식이다. 김정현은 유제를 직접 제조해서 사용했다. 먼저, 구연산 철 암모늄과 페르시안화 칼륨 용액을 1 : 1로 혼합해서 감광유제를 만들고, 이것을 붓으로 지지체(수채화, 판화지 등)에 바른다. 그런 다음 자연건조나 헤어드라이기로 말린 뒤 이를 UV 노광기나 자연광을 이용해 노광한 다음 감광지를 물로 현상한다. 이렇게 제작된 이미지를 자연 건조시킨다. 이처럼 느림과 기다림을 통해 완성되는 시아노 기법은 작품과도 닮아 있다. 사진에서 시아노 특유의 푸른 색조는 현대인의 우울함과 공허한 감정을 반영하며, 다소 낮은 중간 채도의 푸른빛은 우리를 편안한 몽상으로 이끈다. 이쯤에서 그가 어떻게 자연과 함께 자유를 만끽하는지를 주시할 필요가 있다. 실오라기 하나 걸치지 않는 그의 벗은 몸은 광활하고 평온한 대자연 안에서 뚜렷하게 드러나지 않는다. 때론 아득하다. 어쩌다 전면에 드러나는 알몸 역시 간결한 구도여서 화면 전체의 균형미를 강조한다. 표정을 알 수 없는 뒷모습 역시 직설적인 지시와는 거리가 멀다. 이처럼 '벗은 알몸'은 단순히 신체의 묘사가 아닌, 그의 내면을 담아내고 자신을 자연의 일부로 표현하기 위함이다. 그의 뒷모습 역시 쓸쓸해 보이는 것이 아니라 마치 청아한 바람에 샤워라도 한 듯 한가롭다. 자연과 혼연일체가 됨으로서 우리로 하여금 바쁜 일상사를 잊게 하고 편안한 심리상태로 빠져들게 만든다. 우리가 그의 사진에서 눈을 떼지 못하는 것은 이른 새벽, 산책길에서 느껴지는 그 느슨한 호흡을 전달하는 특유의 평화로움이 아닐까. 나아가 인간의 실존에 대한 의문을 시각적으로 충족시키기 때문은 아닐까. 김정현 인간의 실존, 자유에 대한 갈망을 사진작업으로 표현한다. 홍익대학교 대학원 디자인공예학과 사진학 박사, 홍익대학교 디자인콘텐츠대학원 사진디자인전공(M.F.A) 석사, 경남과학기술대학교 사진영상전공 졸업했다. 2016년 <또한 바람과도 같다>(류가헌 갤러리), 2015년 <Photogram - 'rediscovery'>(루시다 사진갤러리) 등 총 4회의 개인전을 비롯해 2015년 IPA(Internal Photography Awards) 전시(뉴욕 카네기홀) 등 다수의 그룹전을 가졌다. 경남도립미술관에 작품이 소장되어 있다.
최우영

죽어서도 버릴 수 없는 나의 한글 이름 글 ㅣ 조아(JOA) 지금의 젊은 세대에겐 '민족말살정책'이란 단어가 조금 낯설 수도 있지만, 그것은 1930년대 한국인의 민족의식을 말살시키려는 일본의 식민지 지배정책이었다. 그들은 조선어(한글) 교육을 금지했을 뿐 아니라, 일본식 이름으로 창씨개명을 강요했다. 한글 이름을 가진 사람은 학교에도 회사에도 다닐 수 없었다. 한글 이름을 버리지 않기 위해서 결국 자살을 선택하는 사태까지 벌어졌다. 이러한 현상은 광복을 맞이할 때까지 계속되었다. 일본 본토에 있는 학교에서도 조선어 과목을 없애거나 한국말을 사용하는 어린 아이들에게 체벌을 가했다. 불온하고 불량한 조선 사람이라는 뜻의 '불령선인(不逞鮮人)'이라는 딱지를 붙여 불이익을 주었기 때문에 그런 상황에서 한글 이름을 지켜낸다는 것은 참으로 힘겨운 일이었다. 그런데 자신의 '한글 이름'을 지금까지 꿋꿋하게 지키며 살고 있는 재일동포들이 있다. 그들에게 '한글 이름'은 죽어서도 잊을 수 없고, 그 어떠한 일에도 버릴 수 없는, 반드시 지켜내야만 하는 것이다. 단순히 자신의 존재를 증명하는 고유명사를 넘어, 민족의식이 담긴 역사이자 문화이며 뿌리 셈이다. 최우영의 <나의 이름>은 재일동포들이 그토록 절절한 마음으로 지켜온 자신의 한글이름을 사진으로 기록한 것이다. 올해는 광복 74주년이 되는 해다. 과거 일본 식민지 시절의 아픈 역사는 개인의 삶에 지대한 영향을 미치며 오늘날까지도 계속 되고 있기 때문이다. 그렇다면 최우영은 어떤 연유로 이 주제에 관심을 갖게 되었을까. 그는 성인이 될 때까지 친할아버지에 대한 존재 자체를 알지 못했다고 한다. 그의 아버지조차 자신의 아버지, 즉 할아버지를 기억하지 못했기 때문이다. 자신이 어렸을 때 아버지가 직장을 직장을 자주 옮겨야 했던 이유가 연좌제 때문이었다는 것도 그때 알게 된 사실이다. 사실, 할아버지가 일본에 거주하는 총련(재일조선인총연합회) 간부였던 것이다. 할아버지를 조총련동포 고향방문단의 일원으로 한국을 방문했을 때 짧게 만났던 것이 처음이자 마지막이었다. 이번 작업을 통해 할아버지가 살았던 곳을 갈 수 있었다. 일본의 조선학교와 교포들을 만나면서 할아버지가 어떻게 살아왔는지 알게 되었고, 재일교포들을 사진으로 기록하기 시작했다. 촬영은 캐논의 1DS MIII와 24-70mm 2.8L 렌즈를 사용했다. 배터리 방식의 프로포토 B1 조명 2개를 모델 양쪽에 두고 촬영했다. 조리개는 최소 F8 이상, 삼각대를 쓰지 않았기 때문에 흔들림 방지를 위해 셔터속도는 최소 1/50 이상으로 놓고 촬영했다. 조선학교 교복인 치마와 저고리를 입고 있는 김사영은 히로시마 조선고급학교 학생이다. 일본에서 이 교복을 입고 등교하다가 테러를 당한 적도 있다. 일본에서 민족학교를 다닌다는 것이 많은 용기를 필요로 한다는 것이 촬영 하는 내내 최우영의 마음을 아프게 했다. 일본에는 일제 강점기에 끌려왔거나 제주 4.3학살을 피해 일본으로 건너와 지금까지 살고 있는 사람들까지, 재일동포들은 생각보다 많다. 이들은 대한민국 국적과 일본 국적을 가지고 있지만, 일본 법률상 무국적으로 간주되는 조선적(朝鮮籍)을 지니고 있다. 대부분은 한국에서는 반(半)일본인으로 대접받거나, 어쩌면 북한과 연결되어 있을 수도 있다는 암묵적인 불안감으로 그 어디에서도 환영받지 못한다. 긴 세월 일본의 온갖 탄압과 박해 속에서도 우리 민족의 역사와 전통문화, 그리고 우리 언어를 지키며 살고 있는 우리 동포들인데도 말이다. 그래서 최우영은 사진가로서 그들을 사진으로 기록하고, <나의 이름>을 통해 그들의 존재를 알리고 있다. 사진을 촘촘히 다시 들여다보자. 그들이 세대를 이어오면서 힘겹게 지켜온 '한글 이름'이 적힌 하얀 도화지를 가슴에 앉고 활짝 웃고 있다. 사진을 통해 표현하고자 하는 것은, 우리 옆집에 살고 있는 평범한 이웃들처럼 너무나 친근한 그들의 모습이다. 우리 동포임을 잊지 말자는 것이다. 1세대 제일교포들이 세상을 많이 떠났다. 양품점을 운영하는 허이순 할머니도 몇 분 남아있지 않은 1세대 재일교포다. 그분들이 그토록 염원하는 한국 땅에 하루라도 빨리 왔으면 좋겠다고 최우영은 말한다. 최우영 사회적 의미가 담겨있는 공간과 건축물, 삶의 풍경과 사람들에 대해 관심을 갖고 작업한다. 홍익대학교 산업미술대학원에서 사진디자인을 전공했다. 2016년 <은유의 시간>(갤러리 퀸스틀러아뜰리에, 비엔나) 2014년 <잊혀진 이웃>(에이트리갤러리) 등에서 개인전과 다수의 그룹전을 가졌다. 2018년 온빛사진상을 수상했으며, 2010 인권사진상을 국가인권위원회에서 인권사진상을 받았다.
박찬호

귀천(歸天)을 아는가 글 ㅣ조아(JOA) 나 하늘로 돌아가리라. 아름다운 이 세상 소풍 끝내는 날. 가서, 아름다웠다고 말하리라. 천상병 시인의 귀천(歸天) 속 한 구절이다. 시의 첫 행마다 반복되는 “나 하늘로 돌아가리라.”는 다짐이나 소망 같기도 하고, 마치 주어진 삶의 끝이 곧 그곳인 것처럼 느껴지기도 한다. 우리나라는 예부터 사람이 죽으면 '돌아가셨다'라고 했다. 이는 '원래 있던 곳으로 돌아감'을 의미한다. 박찬호의 <The returned, 돌아올 '歸'>는 사람은 죽으면 어디로 돌아가는지, 죽음이란 우리에게 무엇인지에 대한 궁금증에서 비롯되었다. 박찬호 작가는 어린 나이에 어머니를 하늘나라로 떠나보냈다. 이혼한 어머니는 3년간 암투병 끝에 돌아가셨고, 어머니의 죽음은 그에게 트라우마로 남았다. 결국 작업에 있어서 주요 화두가 되었다. 첫 촬영은 안동 광산 김씨의 향재에서 시작되었다. 그것을 시작으로 남성 위주의 귀족적이고 유교적인 제의(祭儀)는 물론, 이와는 상반된 민초적이고, 서민적이며 여성이 주축이 되어 진행되는 무속 제의들을 사진에 담아 왔다. 최근에는 태어나고 죽고, 다시 태어나 죽기를 반복하는 불교에서 말하는 윤회의 죽음관을 사진에 담고 있다. 죽은 자를 기리는 제의들을 찾아 전국을 다니며 사진으로 기록했다. 처음엔 단순히 죽음에 대한 의문에서 작업을 시작했지만, 점차 사라져가는 한국 제의들을 사진으로 남겨야 한다는 책임감이 들었다. 그러면서 지역적인 종갓집 제의부터 신성한 장소에서 비밀리에 거행되는 의식(儀式)은 물론, 마을 단위로 열리는 '마을제'와 전국의 '당제', 스님의 '다비식' 등 전국에서 열리는 다양한 제의들로 작업 범위를 넓혔다. 제의에서 사용되는 사물들도 하나의 오브제로 바라보게 되었다. 그는 평소 필름과 디지털 작업을 병행한다. 작업 초기엔 흑백 촬영을 위해 니콘 FM2와 캐논 EOS-3 카메라를 사용했고, 필요에 따라 중형카메라인 후지 GF670W로도 촬영을 했다. 이 작업은 모두 흑백사진이다. 입자감이 거친 코닥 Tri-x 400을 주로 사용했는데, 필름은 이미지에 대한 정밀 묘사나 해상력보다는 감성적 표현에 효과적이기 때문이다. 가끔 TMX 400 필름도 사용하는데 증감을 하더라도 이미지가 무너지지 않기 때문이다. 요즘은 캐논 5D Mark II 카메라와, 소니 알파 A7R III 디지털 카메라도 즐겨 사용한다. 하지만 역시나 흑백작업이다. 흑백을 고집하는 이유는 간단하다. 작가 자신이 생각하는 '죽음관'과 맞닿아 있기 때문이다. 산 사람이나 죽은 사람 모두 어떤 중간적 위치에 존재한다고 생각한다. 그 중간이란 바로 빛과 어둠 사이다. 사람은 어머니의 자궁인 어둠에서 태어나 빛으로 돌아가는 존재다. 이것이 자연스럽게 흑백작업을 하게 된 이유다. 촬영을 할 때는 주로 팬 포커싱으로 조리개를 최대한 조인다. 중요한 장면이나 마음에 드는 장면이 있을 때는 대상을 프레임 안에 가둬두려 한다. 강렬한 피사체를 중심에 둠으로써 시선을 집중시킨다. 마치 “이것을 봐라!”는 식의 구성인 셈이다. 물론, 프레임을 보면 정직한 수평보다는 삐딱한 배치도 있고, 상황에 따라 어느 한 쪽으로 기울인 앵글도 있다. 이는 불안감 또는 죽은 망자의 쓸쓸함이나 허망함 등을 도출시킨다. 뿐만 아니라 이승이 아닌, 저승을 상기시키는 은유적 표현이기도 하다. 사진 곳곳에 간헐적으로 들어오는 기묘한 빛 또한 어느 망자의 넋이나 혼을 상징하듯 아련하다. 흑백필름 특유의 묵직한 암부와 거친 입자, 살짝 과장된 원근감과 정형화되지 않은 프레임은 이를 잘 드러낸다. 지금 사진을 찍는 것이 아니라 사진을 통해 누군가를 만나거나 보내고 있는 것은 아닌가 하는 생각마저 들게 한다. 그럼에도 불구하고 작가는, 아직도 '귀천'의 의미를 모르겠다고 말한다. 다만, 한 가지 깨닫게 된 것이 있다면 우리가 죽어서 돌아가는 곳은 결국 누군가의 '기억'이라는 것이다. 그러니 남겨진 사람들에게 어떻게 기억되기를 바라는가는 곧 어떻게 살아야 할 것인가로 귀결된다. 그러기에 <The returned, 돌아올 '歸'> 작품은 죽음 너머의 세상을 향해 있으며 누군가에게 '기억'될 '나'의 모습에 대한 깊은 성찰을 하도록 이끈다. 박찬호 죽음에 대한 작업에 집중하고 있다. 2018년 4월 뉴욕타임즈 'LENS'에 선정되었으며 2016년 <돌아올 귀>(인사동 토포하우스 아트센터) 등 2회 개인전을 비롯해 S.I.P.F (싱가포르 국제 사진페스티벌) 오픈콜 전시 등 다수의 그룹전에 참여했다.
변성진

YOU의 시선 글 ㅣ조아(JOA) 변성진의 <hide & seek or YOU >는 외형적으로는 예술로서의 누드사진으로 평가되는 알프레드 스티글리츠(Alfed Stieglitz), 에드워드 웨스턴(Edward Weston), 해리 캘러핸(Harry Callahan)과 같은 고전적 형식미를 완벽하게 구현한 사진들과는 다르다. 그렇다고 동성애나 에이즈 같은 주제를 누드사진을 통해 전개했던 로버트 메이플소프(Robert Mapplethorpe)나 외설과 예술의 경계에서 논란의 중심이 되었던 아라키 노부요시의 누드사진과도 경향이 다르다. 회화적인 미감의 연장선상에 있는 누드나 도발적인 누드를 다루고자 한 것도 아니다. 단지, 그는 시선의 주관성을 이야기하려고 누드를 표현의 대상으로 삼았을 뿐이다. 한 장의 사진은 보는 이의 시선(視線)에 따라 여러 가지 의미로 해석이 되게 마련이다. 이처럼 내면과 외면의 경계에서 느끼는 '시선'에 관한 이야기를 나누고자 한 것이 변성진의 사진이다. 사실, 사진 역사를 살펴보면 '벗은 몸'을 통해 신체 이상의 담론을 제기한 것은 불과 얼마 전 일임을 알 수 있다. 기원전 5세기경 그리스인들은 신과 동일시하고자 '누드'를 창안했다. 지금의 성격과는 다르지만 인간의 욕망에서 비롯된 것이 누드의 시작이었다. 18세기 초에는 인간의 몸이 예술적인 소재가 된다는 것을 설득하기 위해 '누드'라는 용어를 만들어냈다. 인간의 '벗은 몸'이 예술로 자리하는 데 인간의 다양한 욕망이 작용한 것이다. 누드사진 역시 그런 연유에서 탄생한 장르였고, 초기부터 각광을 받았다. 1830년대 '다게레오 타입'이나 '칼로 타입' 등 사진 탄생 초기에도 누드사진은 많이 제작되었다. 당시 누드사진은 상당히 회화적이었다. 모델이 있는 배경이나 포즈, 거울이나 부채 같은 사물 역시 그림을 그대로 모방해 촬영했던 것이다. 그러나 초현실주의가 대두되면서 '벗은 몸'은 인체 자체의 조형성보다는 하나의 오브제 개념으로 인식되기에 이른다. 그리고 1980년대 이후 포스트모더니즘 시대가 되면서 여성뿐 아니라 남성의 몸도 표현 대상이 되었으며 '성'적인 '몸'이 아닌 정치적, 사회적 '몸의 해석'으로서의 누드가 더 큰 비중을 차지하게 되었다. 변성진의 사진은 여성의 '벗은 몸' 위로 나타나는 레이저 광선 탓에 언뜻 보면 가학적이거나 음란한 누드처럼 시선을 자극한다. 레이저 광선은 건축현장에서 사용하는 수직과 수평을 맞추는 도구에 의해 연출되었고, 이 선은 작가가 주지하는 '시선'의 주관성을 드러내기 위해 사용되었다. 다양한 레이저 광선들은 작가 자신이 바라보는 시선의 집결지인 셈이다. 그러나 촬영자가 포인트로 활용한 레이저 선은 관객에 따라서 주지될 수도 있고, 전혀 반응이 없을 수도 있다. 작가는 이러한 관점의 시선에 대해 이야기해보려고 한다. 똑같은 사진인데도 보는 사람에 따라서 전혀 다르게 생각하고, 다르게 느낄 수 있다는 사실이 이 작업을 시작하게 된 배경이다. 변성진은 “보는 사람에 따라서 이 작업을 예술로서의 누드로 볼 수도 있고, 퇴폐적으로 볼 수도 있을 것이다.”고 말한다. 작품 제목에서 YOU만 대문자로 크게 표기한 것은 사진을 보는 관객의 시선이 주가 되기 때문이다. 벗은 몸에 굳이 자극적이고 강렬한 선을 날카롭게 만든 것은 “이 부분을 보시오.”라고 억압하고 있지만, 그럼에도 불구하고 보는 이들은 각자 자기만의 관점에서 본다. 따라서 모든 이미지는 고정된 의미를 갖지 않는다. 누군가에게는 매우 불쾌하고 자극적인 누드사진이 될 수도 있지만 또 다른 누군가에게는 아름다운 모습으로 다가올 수 있으니 말이다. 누드사진은 촬영하고 싶어도 모델 섭외가 어려워 포기하는 경우도 많다. 변성진은 SNS을 통해 섭외하거나 해외 매니지먼트를 통해 누드모델을 소개 받았다. 촬영 초기에는 35mm나 120mm 흑백필름을 사용하다가 디지털 작업으로 전환했다. 주력 카메라도 후지 GX680과 50mm f1.2 단렌즈를 장착한 캐논 EOS 5D MarkII, 5D Mark III를 병행한다. 흥미로운 것은 디지털 시스템으로 개조한 후지 GX680을 사용한다는 점이다. 카메라를 개조해 사용하는 방식이 낯설 수도 있지만 생각보다 개조한 카메라만을 고집하는 이들이 제법 많다. 변성진은 상하좌우의 무브먼트가 용이한 GX680 아날로그 렌즈에 어댑터를 이용해서 캐논 5D MarkII 바디와 연결해 사용했다. 아날로그와 디지털을 섞어 자신이 원하는 방향으로 개조한 것이다. 개조한 카메라는 포커스가 수동이라 핀을 맞추는 것이 쉽지 않고 중형이라 다소 불편함도 있지만 아웃 포커싱이나 여러 장점이 많아 선호한다. 변성진의 누드사진은 섹슈얼리티가 드러난다. 이는 시선의 주관성을 묻고자 개입한 표현의도 때문인데, 지금 어디를 보고 있는지 YOU의 시선을 다소 강렬하게 고정시킨다. 변성진 인천 재능대학교 사진영상학과와 상명대학교 일반대학원 디지털이미지학과 석사과정에 있다. 국내외 방송, 잡지, 미디어 분야에서 수년간 촬영 전문기자로 일했다. 다큐멘터리와 순수미술에 대한 깊은 애정을 품고 있으며, 무속인, 여성, 사물, 일상을 주제로 개인전 6회와 다수의 그룹전을 가진 바 있다.

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