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미니 갤러리

장르에 상관없이 전업, 겸업 사진가들이 자신의 작품을 소개할 수 있는 온라인 갤러리입니다. 특히 블로그나 홈페이지가 없는 작가, 자신의 작품을 더 많은 분들과 공유하길 원하는 작가들의 참여를 기다립니다. (문의 02-728-0281, hisophy@naver.com)

임예숙

죽음을 기억하라 글 | 조아(JOA) 임예숙의 <메멘토 모리 Memento mori>는 '죽음을 기억하라' 또는 '반드시 죽는다는 것을 기억하라'를 뜻하는 라틴어 제목을 갖고 있다. 살다보면 누구나 크고 작은 죽음의 문턱을 경험하기 마련이다. 누군가에겐 평생 잊지 못할 트라우마로 남겨지는가 하면, 또 다른 누군가에게는 값진 경험으로 갱생의 시간이 되기도 한다. 임예숙은 운전 중에 차가 언덕 아래로 떨어져 폐차시켜야 했던 고통의 기억이 있다. 당시 사고 광경을 본 사람들에 의하면, 살아 있는 게 믿기지 않을 정도로 큰 사고였다고 한다. 임예숙은 사고 이후 단 하루도 맘 편히 잘 수 없을 정도로 '죽음'에 대한 공포와 두려움으로 피폐해졌고, 결국 '죽음'에 대한 경험을 사진작업으로 끌어왔다. 국내는 물론 해외를 다니며 <메멘토 모리>의 상징적인 이미지를 담아 왔다. 사진을 보면 대부분 해외에서 촬영한 것들인데, 오래전 1차 죽음을 경험했던 곳이 바로 해외였기 때문이다. 네덜란드 하르렘(Haarlem)의 풍차 박물관(De adriaan)에 갔을 때, 자살을 연상시키는 밧줄과 의자가 눈에 들어왔다. 생이 끝나는 마지막 순간을 상징하는 이미지라는 생각에 사진을 찍었다. 평소 즐겨 사용하는 라이카 M9 카메라를 사용했고, ISO160에 셔터 1/125, 조리개 F4로 설정했다. 십자가 형태의 창살이 보이는 창문에서 들어오는 따스한 햇살은 구원의 이미지와 오버랩 되었다. 한가로운 오후, 실내 테이블 위의 찻잔과 눈앞의 밧줄은 너무나 극명한 대조를 이루었다. 또 다른 사진은 어느 갤러리에서 촬영한 것이다. 당시 거울이 자신에게 “너는 서 있는 곳에 존재하는 것이 아니라, 거울 속 보여지는 곳에 존재한다.”고 속삭이는 듯해서 셔터를 눌렀다고 했다. ISO160에 셔터 1/200과 조리개 F2로 촬영했다. 자신이 처한 현실이 아니라 새로운 세상의 문(밝은 문)으로 뛰쳐나가라는 메시지를 준 사진이라고 한다. 임예숙은 프레임 안에서 직관적인 찰나의 느낌을 선호한다. 벨기에 브뤼헤 (Brugges)에 위치한 보트 호텔(Boat Hotel)에서 촬영한 사진에서도 이를 엿볼 수 있다. 살짝 열린 창문으로 바람이 들어올 때, 침대에 누워 있던 작가는 자신의 무릎을 프레임 안으로 밀어 넣어 촬영했다. 좌우가 약간 뒤틀린 창문과 초점이 흐릿해 모호한 피사체(무릎)로 인해 불안감은 증폭되고, 살짝 열린 창문은 '죽음'을 치유해주는 또 다른 세상으로의 통로처럼 표현되었다. 또 다른 사진은 서울 성수동에서 촬영했다. 어느 건물 계단에 다다랐을 때 실내가 몹시 어두웠다. 표준렌즈를 사용해 감도를 1000까지 올린 뒤 셔터 1/60과 조리개 F2로 촬영했다. 반영을 통한 액자 속 침대, 반쯤 잘려 나간 남자 그리고 계단의 분절은 임예숙 자신에게는 롤랑바르트(Roland Barthes)가 말한 '찌름(Punctum, 푼크툼)' 그 자체였다고 한다. 롤랑 바르트는 사진 안에서 푼크툼은 '나를 찌를 뿐 아니라 나에게 상처를 주는 그 우연이다'고 했다. 프랑스의 구조주의 철학자이자 비평가로 알려진 롤랑바르트(Roland Barthes, 1915~1980)는 '사진의 본질'을 이해시키기 위해 푼크툼?(punctum)과 스튜디움(studium)의 개념을 사용했다. 어떤 대상을 바라볼 때 응시자가 느끼는 '감정'과 반응에 관한 것을 이 둘로 구분해 설명한 것이다. '스투디움'은 사진을 보는 순간 일반적이고 보편적인 정서로 사회 문화적, 관습적 코드로 이해되는 것들이다. 반면 푼크툼적인 사진은 뭔가 자신의 가슴을 찌르는 듯한 것이다. 라틴어로 점(點)을 뜻하는 '푼크툼'은 화살처럼 찌르는 어떤 강렬함을 뜻한다. 문화적인 코드와 관계없이 주관적 시각에 의해 감지되는 경험이다. 사진을 보다가 무의식, 또는 무의지적으로 오는 감정이기 때문에 논리적으로 설명이 불가능하다. 임예숙은 카메라 렌즈로 대상을 바라보다가 뭔가 특별한 의미로 다가올 때, 바로 그 순간을 잘라내어 프레임 안에 정착시켰다. 그녀는 이를 자신만의 '푼크툼적 경험'이라고 말한다. <메멘토 모리> 사진에서 빛은 삶을, 어둠은 죽음을 상징한다. 그녀가 주지하는 죽음은 삶이 끝나는 지점이 아니라, 오히려 삶에 대한 애착을 가져다주는 것이다. 작가가 택한 '경험적 죽음'에 저항하는 방식이다. '망각'이 아닌 '어떻게 살아가야 할 것인가?'에 대해 끊임없이 질문을 던지며 허망한 시간들로 덧씌워지지 않도록 상기시키는 '죽음'이다. 죽음은 누구에게나 두려움의 대상이다. <메멘토 모리>의 작업을 통해 '죽음'에 대한 공포감을 덜 수 있다면, 나아가 주어진 시간에 새삼 감사할 수 있게 된다면 그것이야말로 값진 경험이 되지 않을까. 임예숙 작가에게 사진이란 자가 치유의 도구이다. 중앙대학교 사범대학 교육학과를 졸업했으며, 2016년 1월의 쿠바(반도 갤러리), 2017년 포토서울 단체전(나우 갤러리), 2018년 미술세계아카데미 단체전(미술세계 갤러리).등 다수 그룹전을 가진 바 있다.
김영수

모나드 이미지의 환영술사 글 | 조아(JOA) 김영수의 작품 '모나드(Monad, 單子)'는 '만물의 근원'에 대한 것으로 주역의 64괘를 이미지로 형상화했다. 이번 작품 <MONAD-Double Slit> 역시 연작의 한 부분으로 64개의 괘를 각각 6개의 효(爻)로 세분화하여 총 384개(64x6)로 구축한 이미지이다. '모나드'라는 용어는 독일 철학자 라이프니츠(Gottfried Wilhelm Leibniz)가 명명한 것으로 세계를 구성하는 최소 단위의 실체(unit)를 의미한다. 라이프니츠의 2진법 '0'과 '1'은 동양사상인 주역(周易)'의 음(-)과 양(+)에서 발견된 것으로 모나드 철학과도 일맥상통한다. 이는 김영수가 가장 주지한 점이다. MONAD Double-Slit(이중슬릿)은 양자역학의 대표적인 실험 중 하나로 도무지 알 수 없는 코드로 가득 차 있다. 그러다 보니 이미지 자체도 어렵지만, 이미지에 담고 있는 작가의 개념적 접근 또한 난해한 측면도 없진 않다. 그러나 그것 자체가 '모나드' 작업의 핵심이자 묘미다. <MONAD-Double Slit>은 일반적인 작업 방식과 달리 사진을 직접 찍지 않는다. 대신 포털 사이트 검색 창에 주제에 따른 핵심어들을 넣어 관련 이미지들을 채집한 다음 시각화 한다. 현대인들은 인터넷상의 '검색창'을 통해 다양한 정보를 획득하거나 배설한다. 전 세계 불특정 다수에 의해 생성되는 인터넷상의 이미지야말로 현대사회를 가장 잘 대변한다고 볼 수 있다. 특히, 이 가상의 세계는 원본(실재)과 복제(가상)의 구분이 모호함에도 불구하고 가상(복제)의 현실이 우리의 삶에 영향을 미치거나 직접적으로 개입한다. 그렇기 때문에 채집된 이미지의 외부(가짜) 표상을 통해 보이지 않는 내부(진짜), 즉 세상의 본질과 같은 근원적인 것을 알아보려는 것이다. 이처럼 가상성의 극대화로 채집된 디지털 이미지들은 작가가 고안한 'ORE방식'에 의해 재가공 된다. 'ORE'는 광석을 뜻하는 것으로, 이미지를 가공하는 과정에서 형체는 사라지고 '색'만 남겨질 때 그 형상이 광석과 비슷해 작가가 명명한 것이다. ORE기법(ORE Method)은 포토샵에서 나름대로 표준화시킨 디지털 이미징 프로세스다. LN(Lining), SP(Spring), IP(Institution Point), PX(Pixel), MT(Multiple Layer), CF(Color Filter), SW (Sewing)의 7가지 방식으로 이미지를 추출한다. 이는 전통적 사진(still image)문법에서 벗어난 디지털 테크놀로지의 실험적 행보로 빌렘 플루서가 말한 ??자유는 장치에 대항할 때 유희한다.??를 실감하게 한다. 완성된 작품은 평균 2~3가지 이상의 ORE 기법들이 사용되는데 핵심 키워드로 채집된 수 천, 수 만 컷의 군집된 이미지들은 비틀거나 응축된다. 이러한 과정을 거쳐 이미지에서 이미지를 거듭 제거하면 본래의 형체(외부)는 사라지고 그 흔적(내부)은 색(픽셀) 점으로 형태적 추상성을 갖게 된다. 중첩과 충돌에 의한 이시동도(異時同圖)의 작은 점은 선과 면으로 확장되는가 하면, 기하학적인 생성과 변주로 끝없이 반복된다. 이는 지시적 상징보다 우연적 반복에 의해 파생된 것들이다. 여기서 주목할 점은, 하나의 픽셀(pixel)은 개별적이면서 동시에 전체를 이루며 유기적으로 연결된다는 점이다. 이는 우주 만물의 현상은 서로 밀접한 관계를 이루고 있다는 것을 상징한다, 즉, 하나가 전체이며, 전체는 하나임을 주지시키려는 것이다. 결국, ORE Method에 의해 정제되어 남겨진 '색'은 물질적인 요소가 제거된 '모나드'의 상징으로 '근원의 본질'을 향한 작가의 의지적 표상이다. 눈으로는 확인 불가능하고 말로도 설명 불가하지만 분명 존재 가능하다고 믿는, 미지의 세계에 대한 작가의 신념에 따른 것이다. 김영수는, 미시세계(양자의 세계)의 비밀을 파헤칠수록 더욱 알 수 없는 세계를 직면하게 된다고 말한다. 존재의 근원은 애초에 지각할 수 있는 것이 아니라 인간이 알 수 없는 미지의 세계 즉 상상만이 가능한 세계가 아니겠는가. “우리가 어디서 와서 어디로 가는가?”와 같은 '존재의 근원'에 대한 궁금증을 어떻게 한 장의 이미지로 쉽사리 이야기 할 수 있겠는가. 따라서 김영수의 <MONAD-Double Slit> 사진 이미지를 읽기도, 이해하기도 어려운 까닭이 여기에서 기인되는 것이다. 김영수 대학에서 건축을 전공하고, 카이스트 대학원에서 경영학을 전공한 뒤 한경대학교 대학원에서 사진을 전공했다. <MONAD>, <MONAD double slit> 작품으로 개인전을 가졌다. 또한 <風景之上,중국>, <한국 Contemporay 작가전,뉴욕>, <대리국제사진제,중국>, <이수이국제사진제,중국> 등 다수의 그룹전에 참여했다. 그리고 <Gallery NOW Advanced Exhibition Award, 2017 >, <Dong-gang Growing-UP IV Artist,2016>, <IPA(int' photography awards) Honorable Mention (USA),2015>에서 수상했다.
조영철

소확행(小確幸)을 담다 조영철 글 | 조아(JOA) 하얗고 조그마한 꽃들이 올망졸망 피어 있다. 분명 냉이 꽃이다. 가느다란 녹색 줄기에 닥지닥지 매달려 있는 것들은 씨앗이다. 둥근 모양, 세모 모양, 길쭉한 모양 등 각양각색이다. 순간, 냉이가 “이토록 예뻤나?” 새삼스럽다. 조영철의 작품 <냉이(Naeng-i)>는 산책길에서 흔히 볼 수 있는 '작은 식물'을 소재로 생명의 경이로움을 담아낸 것이다. 주변에서 쉽게 지나치게 되는 낯익은 것들, 별거 아닌 '작은 자연'을 대상으로 삼았다. 그는 니콘 D750카메라와 Micro-Nikkor 105mm 망원렌즈를 사용해 이들의 모습을 클로즈-업 했다. 대부분 조리개를 개방해서 배경을 아웃 포커스하고, 특정 부분만 선명하게 담았다. 촬영 방식만 놓고 보면 평이하다. 그럼에도 불구하고 <Naeng-i> 사진이 뭔가 달라 보이는 이유는, 그만의 '감성 언어'로 포착했기 때문이다. 특히 사실(reality)에 대한 '직관적 감성'에 주목해볼 필요가 있다. 이 감성은 화려하거나 거창한, 탐욕에 의한 아름다움이 아니라 '작고 '작아서' 곁을 내어주는 소소한 한국적 미감이 완성한 아름다움에 가깝다. 알량한 탐미주의적 관심사가 아닌, 오감으로 읽는 '작은 자연'의 심상인 것이다. 특별할 게 없는 '보잘 것 없음'에 담겨있는 것들을 생각하게 만드는 것이 바로 조영철 사진의 힘이다. 돌이켜보면 정말 소중한 것은 그다지 거창한 것들이 아니었다. 이는 모리스 마테를링크(Maurice Maeterlinck) 의 '파랑새' 이야기에서도 엿볼 수 있다. 행복을 가져다줄 파랑새를 찾아 긴 여정을 떠났지만 결국 찾지 못하고 돌아왔는데, 정작 자기 집 새장에 있었다는 내용 말이다. 일상 속 행복의 가치를 일깨워주는 메시지다. 조영철의 <Naeng-i> 사진 역시 바쁜 일상을 잠시 내려놓고 보아야 비로소 보이는 작은 꽃이며 씨앗들이다. 산책길을 느리게 걸으면서 천천히 생각할 때, 비로소 얻을 수 있는 작은 발견인 셈이다. 이 작업에서 가장 주지되는 지점은 무엇일까. '보잘 것 없음'에 대한 선입견을 지우고, '소소한 행복'의 가치를 찾는 것이다. '소확행(小確幸)'은 소소하지만 확실한 행복을 말한다. 최근 이 표현이 핫하게 사용된다는 것은 그만큼 '소소한 행복'에 대한 목마름의 반증이기도 하다. '나는 지금 행복한가?', '일상에서 느낄 수 있는 작은 행복은 무엇인가?'에 대해 다시 한 번 생각하게 한다는 데 의미가 있다. 조영철이 '냉이' 사진을 이토록 소박하고 담백하게 구사하는 데는 소확행에 대한 개인적 바람이 담겨 있어서다. 로버트 아담스(Robert Adams)는 흑백 인화의 '존 시스템'을 개발한 안셀 아담스(Ansel Adams)의 풍경사진에 감동을 받아 마흔 넘은 나이에 사진을 시작했다고 한다. 그런 그가 “모든 사진술은 삶의 가치를 찾으려는 시도이다.”라고 말한 것처럼, 조영철 역시 뒤늦게 사진을 시작해 소소한 삶의 가치를 찾고 있다. '냉이'라는 작은 식물에서 느껴지는 원초적 생명력은 소소한 행복을 안겨주기에 부족함이 없다. 조영철 작가는 이런 자연 관조적 태도로 철학적 사색을 즐기고 있다. '내가 그의 이름을 불러주었을 때, 그는 나에게로 와서 꽃이 되었다.' 시인 김춘수의 시처럼, 지천에 널린 돌멩이 하나도 눈길을 줄 때, 비로소 나와 함께 한다. '소확행'은 느림의 미학과 맞닿아 있다. 잠시 느리게 길을 걸으며 당신도 소소한 쉼을 가져보면 어떨까. “느리게 걷다 보면, 땅 바닥이나 작은 벽 틈에서도 어떻게든 자신의 인생을 살아가는 꽃들을 발견하게 된다. 사진을 통해 식물마다 가지고 있는 그 나름의 정체성을 찾아주는 것이 기쁘고, 나 역시 소소한 자연을 통해 많은 에너지를 받는다.” - 조영철 조영철 한때 연극배우와 영화감독을 꿈꾸었으나 수학과 물리의 매력에 빠져 그 분야에서 전문가로 살아 왔다. 서울대학교 공대를 졸업하고 미국 Boston Univ.EE 에서 객원연구원을 지냈으며, 뒤늦게 젊은 시절의 꿈을 쫒아 사진에 매진하고 있다.
윤한종

뭐가 보이는가 윤한종 글 | 조아(JOA) “이게 뭐예요?” 윤한종의 사진을 보는 대부분의 사람들이 하는 첫 질문이다. 촬영 소재와 표현 방법의 특이성 때문이다. 윤한종의 <Invisible Beings: 보이지 않는 존재>는 TV나 휴대폰, 전기자동차에 들어가는 각종 마이크로 전자부품(칩)을 찍은 사진이다. 그런데 일반적인 촬영 방식과는 사뭇 다르다. 고해상도의 산업용 광학기계(카메라, 렌즈, 조명)를 사용한 까닭이다. 너무 작아서 육안으로 보기 힘든 부품의 형태, 색, 표면의 결함 등을 체크해서 양품과 불량품을 선별해내는 기계 장치다. 윤한종은 20년 넘게 이 외관검사 장치를 개발하고 판매하는 분야에 종사해왔다. 그랬기에 이런 작업이 탄생할 수 있었다. 쌀 한 톨보다 작은 1~4mm 크기의 전자 부품들은 산업용 광학기계로 촬영된 후 약 400배 크기로 확대 출력된다. 고배율로 찍힌 사진은 대상이 갖는 그 자체의 질감을 즉물적으로 드러낸다. 사람들이 육안으로 볼 수 없는 세계를 보게 될 때 섬뜩해 하거나 경이로워 하는 감흥이 이 작품에서도 느껴진다. 그것은 낯익은 동시에 '낯선 모습'이다. 이는 알프레드 스티글리츠(Alfred Stieglitz)의 이퀴벨런트(equivalent)에서 에드워드 웨스턴(Edward Weston)으로 이어졌던 즉물적 표현 방식에 바탕을 둔 것이다. 처음으로 사진의 기계적 특성을 바탕으로 순수사진을 예술로 승화시킨 스티글리츠로부터 폴 스트랜드(Pual Strand)의 즉물적 표현으로 이어졌고, 1900년대 초, 웨스턴의 즉물적 시각에 의해서 조형성 강한 추상 형태의 사진에 다다른다. 특히 에드워드 웨스턴은 피망, 조개껍질 같은 평범한 오브제를 예술적으로 승화시킨 즉물주의적 사진을 선보임으로써 사진미학의 새로운 방향을 제시했다. 윤한종의 시각도 그와 닮아 있다. 윤한종은 처음부터 기계적 특성에 주목한 작업을 해왔다. 평소 사용하는 장비의 기계적 정밀성을 바탕으로 한 극명하면서도 단순한 조형성으로 사물의 본질에 다가간 것이다. 리얼리즘에 입각한 상징성이 윤한종 사진의 핵심이다. 그런데 왜 하필 전자부품(칩)을 소재로 선택했을까? 그는 전자부품들이 양품과 불량품으로 선별되는 것을 보면서 '사람'과 크게 다르지 않다고 생각했다. <Invisible Beings> 작업은 '개인(Individual)'과 '사회(Society)' 시리즈로 나뉜다. '개인' 시리즈는 부품 하나하나를 고배율로 촬영한 반면, '사회' 시리즈는 1만 개의 부품이 자동으로 촬영되어 저장되는 방식을 취했다. 상처받은 사회를 재현하기 위해 화학약품을 첨가해 의도적으로 부식이나 흠집을 내기도 했다. 물론 불량품도 사용했다. 1만 개의 부품은 개인들이 부대끼며 사는 사회를 의미하며, 이는 무결점만을 권장하는 사회에 대한 비판의식을 담고 있다. 사실 그는, 완벽해 보이는 전자부품이지만 정밀하게 들여다보면 결코 완벽하지 않다는 이야기를 하고 싶었다. 성공한 사람도 수많은 실패와 실수를 거듭하면서 그 위치에 오른 것임을 주지한 것이다. “모든 사람들은 각자의 상처를 보듬으며 살아간다. 인생을 살면서 실수와 실패의 경험이 없는 사람은 없다. 그러니 도전하는 것을 두려워하지 말라는 메시지를 이 사진 안에 담고 싶었다.”- 윤한종 윤한종 홍익대학교 디자인콘텐츠대학원에서 사진디자인으로 석사 학위를 받았다. 2018년 <보이지 않는 존재>로 인사아트센터와 나우갤러리에서 개인전과 다수의 그룹전을 가졌다. 2018년 《보이지 않는 존재-윤한종 사진집》을 출간했다.
황필주

통찰(通察)의 포트레이트 황필주 글 | 조아(JOA) 얼마 전 갤러리 '서이'에서 황필주의 개인전 <달콤한 유혹>이 있었다. 17세기 바니스타(Vanista) 회화에서 영감을 받은 작품으로 미각을 자극하는 화려한 사탕 작업을 통해 달콤함 뒤에 오는 허무를 담아 좋은 반응을 얻었다. 그런데 황필주는 이러한 작업 외에도 오랫동안 인물사진을 해왔다. 그리고 작가 자신 역시, 포트레이트가 전문이라고 말한다. 사진의 다양한 장르 중에서 '인물사진'은 비록 사진시장의 중심에 있지 않지만, 시대 반영이나 자기만의 해석을 통해 그 패러다임을 쌓아가려는 사진가들 덕분에 어렵게나마 그 맥을 이어가고 있다. 단지 보이는 그대로의 인물이 아닌, 각각의 사람마다 지닌 내면 등을 새롭게 제시하고자 하는데 그런 사진가들 중 한 명이 바로 황필주이다. 하지만 인물사진 속 대상이 지닌 본래 모습이나 새로운 내면 등을 찾아내고 표현하기란 결코 쉬운 일은 아니다. 그래서 황필주는 촬영을 하면서 모델이 되는 대상과 많은 대화를 시도한다. 왜냐하면 그 사람에 대해 알면 알수록 고유 모습이나 특징을 잘 잡아낼 수 있기 때문이다. 배우 정동환과 이성경, 그리고 래퍼 치타의 포트레이트 역시 그러한 교감의 결과로 탄생된 사진들이다. 그동안 다양한 인물사진을 촬영했지만 그중에서도 가장 인상적인 것을 꼽으라면, 일본 밴드 쿠루리(くるりQuruli)의 사진이다. 한마디로 위트와 키치적 풍경이 감각적으로 재현된 인물사진이라고 할 수 있다. 쿠루리 밴드가 국내에 잘 알려지게 된 계기는, 국내에서도 인기를 끌었던 일본 영화 <조제, 호랑이 그리고 물고기들> 덕분이다. 그 영화의 주제곡인 'highway'를 쿠루리 밴드가 작업했기 때문이다. 일본에서 주로 활동하지만, 종종 국내 팬들을 위해 홍대 인디 씬에 자주 와서 공연을 한다. 그들이 내한했을 때 인터뷰가 가능한 카페를 빌려 촬영을 진행했다. 평소 그들 밴드에 넘치는 위트와 즐거운 에너지를 사진 속에 고스란히 담아냈다. 모델 도상우 밴드 화보는 누가 봐도 비틀즈의 유명한 앨범 재킷을 모티브로 재해석한 작업임을 알 수 있다. '해밀턴 호텔'이라는 밴드 명으로 활동 했을 당시 촬영한 사진인데, 이 역시 쿠루리 밴드 사진처럼 황필주만의 위트가 돋보인다. 패션디자이너 홍승완의 포트레이트는 서울패션위크 때 니콘 D3 카메라와 24-70mm 렌즈, 그리고 프로포토(profoto) 조명을 사용해 촬영한 것이다. 사실 모델과 디자이너들이 부산하게 움직이는 무대 뒤편 백스테이지에서 인물사진을 촬영하는 것은 생각처럼 쉽지 않다. 그런데도 그가 '인물사진'을 유독 좋아하는 이유는 그 사람만의 특별한 모습을 찾아내서 그것을 사진 한 컷으로 완성했을 때 느끼는 성취감이 크기 때문이다. 어느 한 인물의 고유한 면을 찾아 사진에 담고자 하는 황필주의 사진은 인물 안에서 우리가 무엇을 바라봐야 하는지를 다시금 생각하게 한다. “짧은 시간동안 그 사람만의 개성을 사진에 담기란 생각보다 어렵다. 그럼에도 '인물사진'이 좋은 이유는 그 사람만의 특별한 모습을 찾아내서 그것을 사진 한 컷으로 완성했을 때 느끼는 성취감이 크기 때문이다” - 황필주 황필주 포트레이트를 중심으로 한 상업사진과 함께 개인작업을 병행하고 있다. 글로벌음악예술 플랫폼 유니크튠즈의 공동 창립자이자 아트디렉터로 활동 중이다. 홍익대학교 디자인콘텐츠대학원 사진디자인 전공 석사 학위를 받고, 2018 <달콤한 유혹>(갤러리 서이)전을 포함해 다수의 그룹전을 가진 바 있다.
황여정

쉿! 그것은 'SECRET' _ 황여정 글 | 조아(JOA) 언뜻 그림인가 싶을 정도로 시각적 즐거움을 주는 이 사진의 제목이 왜 '시크릿'일까 궁금했다. 황여정은 힘든 순간, 그 누구에게조차 차마 할 수 없는 말이 있을 때 하늘에 떠 있는 달을 보며 비밀을 털어놓았다고 한다. 달을 보며 자신에게 위로와 위안을 보냈고, 남몰래 달을 보며 꿈을 키워왔기 때문이라고 한다. 다시 말해, 달은 꿈을 향해 가도록 말없이 지원해준 일종의 '키다리 아저씨'같은 존재다. 그랬던 달이 이제 관람객들을 꿈으로 향하게 하는, 판타지의 세계를 완성하는 매개체가 되어 성큼 다가온 것이다. 그런데 왜 하필 '달'이었을까. 어렸을 때 어머니의 심부름을 하느라 시골 어두운 밤길을 걸으며 두려움을 느꼈을 때, 그 골목길을 환히 비추며 자신을 지켜봐 주었던 것이 달이었다. 성인이 되어서는 퇴근 후 녹초가 된 몸으로 종일 엄마 냄새가 그리웠을 어린 딸을 업고, 옥상에 올라가 자장가를 불러주며 바라보던 것도 달이었다. 포대기에 업힌 딸을 꿈나라로 안내하고, 자신의 피로 역시 사그라들게 만들었던 과거 시간 속에는 늘 달이 있었다. 촬영은 캐논 5DsR 카메라와 EF 24-70mm, 16-35mm 렌즈를 사용해서 진행했다. 눈보라치는 이미지는 장노출과 다중노출을 사용했고, 안개 자욱한 이미지는 저속 셔터로 완성했다. 사진에 등장하는 주인공인 '달' 이미지는 대전과학교육연구원에서 천체 망원렌즈와 적도의를 렌트해서 촬영한 후, 주로 마스크 기능과 블렌딩 모드를 이용해서 합성하는 방식으로 작업한 결과물이다. 사진마다 등장하는 하얀 나무는 작가 자신을 상징한다. 사진 속 나무는 대부분 누군가 심어 길러진 것이 아닌, 스스로 씨앗을 틔워 새 생명을 이끌어낸 나무들이다. 황여정 자신의 삶과 유사한 나무다. 삼각대를 세워 자연광에서 촬영한 나무는 이후 이미지가 반전되어 하얀 나무로 완성된다. 초현실적인 분위기의 배경과 화면은 포토샵 과정에서 전체적으로 채도를 낮추고 이 세상 색이 품어낼 수 없을 듯한 감각적인 파스텔 톤으로 표현한다. 언뜻 몽환적인 색조 탓에 아름다운 풍경 같지만 사진을 찬찬히 들여다볼수록 눈보라 치는 벌판, 혹은 사막 한 가운데 홀로 서 있는 나무처럼 외롭고 쓸쓸해 보인다. 여성이자 엄마로, 또 사진가이자 직장인으로 살아왔던 힘든 시간 속에서도 절대 꿈을 잃지 않는 하얀 나무에 작가는 자신을 대입시킨 것이다. 황여정은 달을 향해 빌었던 많은 소원들을 이뤘다. 그러기에 황여정은 <SECRET>을 통해 '꿈'을 잃지 않고 노력하면 우주의 기(氣)가 스며들어 언젠가 꿈을 이룰 수 있다는 희망적인 메시지를 사람들에게 전달하고자 한다. 아주 작은 빛줄기 하나가 세상을 변화시키듯 <SECRET> 사진 한 장에 펼쳐지는 동심의 세계가 피곤에 찌든 심장에 한 줄기 빛이 되어주는 것만은 분명해 보인다. 황여정이 나누는 달과의 대화는 아직 끝나지 않았다. “달은 우주(Space)라는 거대한 공간에서 고양이 걸음처럼 내게 다가왔다. 언제나 감당할 수 있을 만큼 빛을 주었고 바라볼 수 있을 만큼 반짝였다. 친구였고, 내 마음 속 희망이었다. 그리고 나는 어느새 달빛 머금은 하얗게 빛나는 나무가 되어 있었다” - 황여정 황여정 달과 하얀 나무를 통해서 자신을 표현하고, 일상에 지친 현대인들에게 꿈과 희망을 선사하는 작업을 한다. 현재, 대전동문초등학교 교감으로 재직 중이다. 2018 <SECRET>(대전동부교육지원청 Gallery) 등 3회의 개인전을 포함해 2016 <빛그림 이야기>전, 2017 <현대사진연구회 6인전>, 2018 <제5회 대한민국국제포토페스티벌 부스> 등 다수의 그룹전을 가진 바 있다.
명이식

현대 도시건축에 반(反)하다 _ 명이식 글 조아(JOA) 아이러니하게도 '현대인들의 삶이 어떻게 조직되어 가는가?'에 대한 물음이 바로 명이식의 '건축사진'이다. 그는 수년 동안 건축사진에만 집요하게 몰입해왔다. 건축물은 시대적 이데올로기를 담아낼 뿐 아니라 사회적 산물이며, 인간의 삶과 절대적 관계에 놓여 있다. 특히 현대 건축의 거장 르 코르뷔지에(Le Corbusier)가 말한 '인간을 위한 건축'에 반(反)한 현대 건축물들이 우리의 삶마저 재편성하고 있다. 그런 것에 착안해 명이식은 자연과의 공생 및 사람 중심의 가치관이 무시되고, 점차 경제적 가치와 효율성에 편승한 현대사회 곳곳의 기표들을 찾아 채집해왔다. 사실 대형 필름카메라는 촬영이 까다롭고 비용이 많이 들뿐 아니라 장비 무게도 상당해서 사용하는 데 어려움이 많다. 그런데도 그는 건물의 완벽한 수직과 수평을 잡기 위해 무브먼트(Movement)가 용이한 '지나' 대형카메라로 촬영한다. 색상 표현력이 좋아 슬라이드 필름도 사용하지만 최근 작업은 네거티브 필름을 사용했다. 그는 촬영 후 과도한 후가공이 아닌, 촬영 당시의 현장성을 정직하게 수용하는 방식을 고수한다. 사진에서 보이는 건축물들은 빽빽이 밀집된 초고층 건물의 외관이거나 육중한 건축의 어느 단면이다. 건물 외관의 기하학적 패턴과 행렬이 무한 반복적으로 등장하기도 한다. 또 다른 사진에서는 3차원의 공간감이 배제되고, 2차원의 평면성은 강화된다. 이는 현대 도시의 규범화된 질서를 극적으로 드러내고자 한 것으로 명이식이 도시 건축물의 규격화된 모습에 주목하고 있다는 반증이다. 사진마다 등장하는 건물의 반복적인 규칙성과 획일성은 현대인의 일상이 재단되고 규격화 되어가는 것을 상징한다. 다시 말해, 현대인들의 기계적 삶의 은유적 표출인 것이다. 이렇듯 명이식의 비판적 사유가 내포된 반(反)_건축적 견해는 지배적인 현대 건축 질서에 대한 저항이라는 점에서 사진사적으로 유효한 논제이자 필요한 담론 중 하나라고 할 수 있다. 그런데 명이식 작가가 보다 주지하는 지점은 따로 있다. 암흑의 질서 저변에 깔린 억압의 상징 외에도 곳곳에 희망적 요소를 은밀하게 투영되고 있다는 점이다. 실제로 그의 사진을 찬찬히 살펴보면, 줄에 매달려 창문을 닦고 있는 사람이 보이고, 빌딩 숲을 흘러가는 구름이나 한들거리는 나뭇잎이 보이는가 하면, 하늘을 나는 새들도 담겨 있다. 건축 벽면 곳곳에 비친 풍경들은 그곳에 '존재'하고 있으나 미처 '인지'하지 못했던 '자연'이며 '우리'들의 모습이다. 어찌 보면 억압과 규범에서 일탈을 꿈꾸는 화상이자, 건축을 통해 인간의 삶의 방식을 사유해보고자 했던 애초의 의지를 뚜렷하게 드러낸 셈이다. 올 여름 40도에 가까운 무더위가 계속되었고, 온열질환자가 속출했다. 이 모든 게 인간의 무분별한 욕망에서 비롯된 것들로 명이식이 건축사진을 통해 말하고자 하는 바와 다르지 않다. 현대 건축물들은 질서정연한 면모를 갖춘 채 도시 곳곳에서 화려하고 그럴듯하게 우리를 여전히 유혹한다. 명이식의 사진은, 이대로 살아도 좋은지 우리에게 반문하고 있다. “의도적으로 기하학적이고 매우 반복적인 도시의 구조물들을 찍는다. 왜냐하면 강조해서 찍으면 찍을수록 보이지 않았던 것들, 바람이나 구름 같은 주변 환경들이 더욱 잘 드러나기 때문이다.” - 명이식 명이식 줄곧 대형카메라를 이용해 건축사진을 촬영해왔다. 서울과학기술대학교 매체공학과를 졸업하고 중앙대학교 예술대학원 사진학과를 졸업했다. 2009년 덕원갤러리, 2011년 예술의전당 갤러리, 2014년 트렁크갤러리 ,2017년 서울예술재단에서 몇 차례 개인전을 가졌다. 2010년 아랍에미리트 국립미술관, 2010년 한국미술관. 2012년 SPace Womb 갤러리 뉴욕 등에서 다수의 그룹전을 가진 바 있다.
김남욱

낯선 끌림, 낯선 경험 _ 김남욱 글 조아 (JOA) 김남욱의 사진, <낯선 공간>은 불현듯, “왜 이곳에?” 혹은 “어째서?”라는 질문을 던지게 한다. 왜냐하면 익숙하지 않거나, 뭔가 편치 않은 풍경을 낯설게 제시하고 있기 때문이다. 대학교 1학년, 이제 갓 스물인 김남욱은 사진의 깊이 만큼이나 자신의 작업 진행에 대해서도 또렷하고 분명하게 설명한다. 그는 대학 입학 전부터 평소 생경하게 느껴지는 예기치 않은 낯선 경험들을 사진에 담아 왔다. 이번 작업 역시 그런 연장선상에 놓여 있다. 우리 주변에서 흔히 볼 수 있는 일상적인 풍경 안에 전혀 예상치 못한 뜻밖의 사물이 놓여 있거나 이질적인 모습들을 포착한 것이다. '낯선 공간'은 자신의 경험이나 기억에 없을 때, 어떤 대상이나 풍경을 이질적으로 바라보게 되는 것을 말한다. '새롭다', 혹은 '낯설다'로 인식하게 되는 것이다. 그러니 김남욱의 말처럼 누군가에겐 새롭고 낯설 수도 있지만, 또 다른 누군가에게는 너무나 익숙한 그저 그런 풍경일 수도 있겠다. 그렇기 때문에 '낯선 경험'은 주관적인 것이다. 그는 '낯선 경험'에서 오는 미묘한 감정의 즐거움을 보다 많은 사람들과 교감하기 위해 그 대상을 찾아 고군분투하고 있다. 김남욱은 평소 흑백작업을 좋아해서 현상과 인화도 직접 하지만, 이번 작업은 니콘D800 디지털카메라와 50mm 단렌즈로 진행했다. 사진 속 대상과 장소는 때론 매우 극적이기도 하고, 때론 지극히 평범한 일상의 공간에 있다. 목욕탕 고객들의 이동수단으로 보이는 '사우나 버스'는 길이 아닌 논밭 한가운데 서 있고, 전혀 필요 없을 것처럼 보이는 소화전은 바닷가 모래사장에 놓여 있다. 공사가 중단된 건물 앞에는 간이 화장실이 턱 하니 버티고 있다. 마치 시간이 멈춰버린 듯 보이는 시공간에서 낯선 대상을 지각하는 동시에 이질성을 경험하게 한다.흥미로운 점은 일부러 오브제를 삽입하여 이질감을 이끌어낸 사진이 아니라는 점이다. 억지로 낯선 상황을 유발하는 것이 아닌, 자신이 지각한 낯선 풍경을 담담하게 포착하고 있다. 그러니 생각보다 오랜 기간 이러한 풍경을 찾아 헤매었을 것이 분명하다. 그는 수많은 사진가들 중 게리 위노그랜드(Garry Winogrand)를 가장 좋아한다고 했다. 1960년대 리 프리들랜더(Lee Friedlander)와 더불어 현대사진을 이끌었던 대표주자 중 한 사람이다. 리얼리티를 추구했던 사진가로서 과감한 앵글과 순간포착이 탁월했으며 가장 미국적인 도시풍경을 남긴 사진가로 알려져 있다. 김남욱은 <오픈갤러리>에 투고할 만큼 자신의 작품을 알리는 데도 적극적인 보기 드문 학생이다. 지금처럼 열정을 가지고 꾸준히 작업을 하다 보면 훗날 한국의 게리 위노그랜드가 될 수 있지 않을까 하는 기대를 갖게 한다. “주로 길을 걷다가 '낯선 풍경'이라고 생각되는 것들을 우연히 발견해 촬영한다. '낯설다'라고 인식하는 것은 매우 주관적일 수 있다. 누군가는 이러한 공간을 처음 보기 때문에 낯설다고 생각할 수도 있지만 또 다른 누군가는 익숙할 수도 있기 때문이다. 나의 사진은 주관적인 '낯선 공간'이다. 평소 관찰의 범위가 넓을수록 일상에서 더욱 재미있는 풍경들을 만나게 되는데 이런 점들이 좋아서 '낯선 공간' 작업을 계속 하고 있다.” - 김남욱 김남욱 계원예술대학교 융합예술과 1학년에 재학 중이다. 본인만의 담담한 시각으로 일상적인 풍경 속 낯선 공간들을 촬영하고 있다. 평소 흑백작업을 즐기며, '일상 풍경' 또는 '소멸' 등에 관심을 갖고 열심히 사진작업을 하고 있다.
양준식

평범한 남자의 고백 _ Machos 글 조아(JOA) 사진가마다 작품세계를 구축 하는 방식은 다를 수 있다. 양준식의 경우 자신의 내면세계에서 시작되는 '본질'에 대한 궁금증을 사진으로 구축하고 외부에서 일어나는 사회 현상의 부조리나 특정 사건을 자신만의 방식으로 재구성한다. 이번 <마초 Machos> 작업은 후자에 해당되며, '성차별(Sexism)'에서도 '남성성'에 관한 사회적 인식을 다룬다. 촬영은 소니 미러리스 A7 카메라와 DSLT인 A99를 사용해 진행했다. 인터페이스나 전자식 뷰파인더가 사용하기 편해서다. 사진에 등장하는 '남성 피규어'는 약 15cm 높이로 피그마(Figma)의 기성 제품이다. 자유자재로 움직임이 가능하다. 피규어 형상은 전통적인 남성성을 상징한다. 이들을 남성 관점에서 본 여성적 상황에 위치시키면서 시각적인 유희와 작업 방향의 명료성을 높이기 위해 특히 연출에 신경을 썼다. 폼보드나 아크릴 수조, 박스를 활용해서 바닷가나 집, 파티룸 같은 구조의 다양한 배경을 만들었다. 옥외 광고판이나 길거리 같은 장면들은 배경을 따로 촬영한 후 합성하는 등, 현실감을 살리되 개성적인 표현을 하는 데 주력했다. 이러한 양준식의 작업방식은 세계사진사에서 그 유형을 찾아볼 수 있다. 인형(마네킹)을 설치하고 가상의 현실 공간을 제작해서 사진으로 촬영하는 베르나르 포콩(Bernard Faucon)의 작업방식이 그것이다. 1970년대 발표한 <여름 방학 (Les Grandes Vacances)>과 같은 작업방식은 '미장센 포토(Miseen scene, 연출사진)', '메이킹 포토(Making photo, 창조하는 사진)'라고 불린다. 이러한 연출사진은 포콩에 의해서 사진영역의 확장을 가능케 했으며, 지속적으로 표현방식의 발전을 거듭하면서 이른바 '인형파' 작가들을 탄생시켰다. 양준식의 작업 또한 그러한 계보에 있다고 볼 수 있다. 양준식의 작업에 특별히 주목하게 되는 것은 무엇 때문일까. 그 자신이 '남자'여서 겪었던 '경험적 남성성'에 밀착되어 있기 때문이다. 그는 어려서부터 '남자는 강해야 한다', '남자는 울면 안 된다', '남자는 벌레를 무서워하면 안 된다.'는 말을 들으며 성장했다. 우리 사회는 '남성성'과 '여성성'을 특정한 방식으로 구분하거나, 이에 맞추어 살도록 끊임없이 강요한다. '남자가 뭐 저래' 혹은 '여자가 왜 저래'라는 말에는 '남자는 이래야 된다', '여자라면 이래야 한다'는 식의 성별에 대한 행동 규범이 담겨 있다. '남자답게'나 '여자답게'라는 표현 역시 '남녀는 다르다'는 개념의 절대적 믿음으로 '내재화된 성차별'을 보여준다. 우리 사회 저변에 깔려 있는 의식 체계의 모순성이다. 양준식은 우리 사회에서 당연시 하거나 강요받는 '남자다움'에 많은 불편함을 느꼈다고 한다. 한국 남성들치고 일명 '맨박스(manbox)'라는 개념에 짓눌리지 않는 사람이 있을까. 토니 포터(Tony Porter)에 의해 등장한 '맨박스' 개념은 가부장제 사회에서 남성들이 스스로를 가두는 일종의 규범적 틀을 의미한다. 아버지가 아들에게 전수하거나 존속시키는 세대 간의 남성성에 관한 집합적 사회화이다. 양준식은 우연히 접한 '맨박스' 개념을 결국 사진작업으로 이어갔다. '성차별'의 문제를 없애기 위해서는 사회학적 또는 사회심리학적인 접근에 따른 '성평등'에 대한 인식 변화가 절실하기에 그의 작업은 의미가 있다. 그는 성차별에 관한 문제가 남성 관점의 '성평등'에 대한 담론이 부재하는 데서 상당부분 비롯된다고 본다. 그렇기 때문에 성에 대한 사회적 역할과 관계에 대한 '논쟁'적 접근을 하고자 한다. 그동안 '성차별'에 대한 사회적 관심도는 대부분 여성의 관점에서 다뤄져왔던 것이 사실이다. 하지만 남성 피해자 또한 적지 않은 게 현실이다. 표면적으로 드러나지 않는 이유는, 피해자인 '남성' 역시 고정된 '남성성'에 대한 사회적 관념에 따라 고스란히 그 책임을 혼자 감당하기 때문이다. 성차별에 대한 편견과 고정관념은 여성 억압적 사회구조 뿐 아니라 남성에게도 영향을 미칠 수밖에 없다. 성차별 문제는 본질적으로 사회구조적 문제와 연결되어 있기 때문이다. 따라서 현재와 같은 양상이 지속된다면 우리 모두가 피해자가 될 수밖에 없을 것이다. 양준식의 <Machos>사진이 단순히 문제 제기에서 끝나지 않고, 그의 바람대로 많은 이들과 공유함으로써 이 사회에 '나비효과'를 불러오기를 기대해 본다. 양준식 '남성성', '본질', '사진이란 무엇인가'와 같은 주제들에 관심이 많다. 예술을 통해 '본질'의 탐구를 하고자 한다. 마음속에 품고 있는 다양한 의문들을 사진을 비롯한 다양한 매체를 통해 관객과 공유하고 함께 답을 찾아나가는 작업에 집중하고 있다. 중앙대학교 일반대학원 순수사진을 전공하고 있으며 2018년 <5DOT>, CAU, Ansung 그룹전을 한 바 있다.

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